Ekin Su KoÇ – Eva and Eva

Kunstneren Ekin Su KoÇ plukker fra øst og fra vest og fra tidens gigantiske Amagerhylde til serier med collagelignende, kontrastfyldte fortællinger

Tiltrukket? Ja! På de yndigste nøgne fødder vandrer hun imod dig, den æteriske Eva and Eva figur med frugten i den ene hånd, udslået lyst hår, omgivet af lyserøde valmuer og grønt løv på en hvid grund – og med en cigar i den anden hånd.
Ved nærmere eftersyn må man standse op, og træde et skridt tilbage.

– Hvad er det, der er på færde her?
Hovedet er sat omvendt på, og håret slører det juvelbehængte ansigt. Figuren har hele tre arme, og den er tildækket med mønstrede fragmenter af blandet herkomst.

Eva and Eva ser ud som collage, men billedet er skabt i olie på lærred af tyrkiskfødte Ekin Su KoÇ, som har sin første soloudstilling “ON EARTH, ON MOON, ON MARS” hos Galleri Christoffer Egelund i København. På udstillingen viser hun ud over malede collager to andre serier, bl.a. planetrunde relieffer med epoxyindlejrede collage- og naturelementer, og værker i gips og tekstil.  

Kunstneren bor og arbejder nu i Berlin, men kommer fra Istanbul, byen ved Bosporusstrædet i det nordlige Tyrkiet, hvor Europa og Asien mødes.
Ekin Su KoÇ er uddannet på universiteter i Tyrkiet og Sevilla, Spanien, og i 2015 afsluttede hun sin Master of Fine Arts med et projekt om den tyske kunstner, Anselm Kiefer, f. 1945, som også kendes for sin anvendelse af mangfoldige materialer sammen med maleriet.

Ekin Su KoÇ – A Goddess

Ekin Su KoÇ er desuden inspireret af en stor berlinerkunstner, den tyske dadaist og pioner Hannah Höch (1889-1974), der blandede fotomontage, grafik og andet på papir i sine værker, som bl.a. vistes på Den Første Internationale Dada udstilling i Berlin i 1920. Hannah Höch samarbejdede med bl.a. Kurt Schwitters på det avantgardistiske Merzbau i mellemkrigsårene.

En epoke, en opbrudstid, der på mange måder minder om vores, hvor en rivende samfundsudvikling atter sætter kønsidentitet og individets søgen efter mening på plakaten.

Kontrastfyldte fortællinger
Ekin Su KoÇ skaber sikre, symbolladede kompositioner.

Valmuen, der er både forførende og skrøbelig på samme tid, bruger hun som et gennemgående element. Også, når hun indstøber frøkapslerne i epoxyens flydende glas, og spørger, hvad vi mon har tænkt os at bringe med til Månen og til Mars.

Ekin Su KoÇ – Crossing Borders

I et andet malet collageværk Crossing Borders får vi et kalejdoskopisk vue med et får til venstre og et kort skørt til højre for en lyserød lænestol, som svæver hen over et bykort.
– Man kan forestille sig at flytningen fra den hjemlige metropol til en ny tilværelse i Berlin har betydet et spring af dimensioner.

I Berlins gader opdager kunstneren en ornamentik på bygningernes facader, der minder hende om hjemlandets tekstile folkekultur. Værkerne under titlen Altbau handler om dette traditionsmøde mellem østlig og vestlig dekorationskunst. Her er små stykker af tyrkisk tekstil indstøbt sammen med eksempler på midteuropæisk stukkatørkunst.

De viser dels, at nogle mønstre og symboler er universelle og dels, at øst og vest måske historisk er mere forbundne, og kulturelt har mere til fælles end de fleste måske er bevidste om.
Ekin Su KoÇ er født i 1986, og har tiden for sig.
Hun er godt i gang med at bygge broer.

Ekin Su KoÇ – Altbau I

Via galleriets hjemmeside kan man opleve på video, hvordan kunstneren skaber sine værker med en vifte af forskellige materialer og eksperimenterende tilgange.
God fornøjelse virtuelt og på udstillingen i København.

Galleri Christoffer Egelund
Bredgade 75 – København K
Frem til 1. maj

Af Inge Schjødt, komkunst.dk
Galleriets pressefotos – klik ind og se bedre udgaver
Se mere hos galleriet – foto og videos

Publiceret: Kunstavisen.dk, april 2021 

………………………………………………………….

Efterskrift om Collage: 

Stykkevis erkender vi

Collage af Marina Rubini Rordam

Collagen som kunstform er meget ældre, end vi regner med, fortæller collagekunstneren, illusionisten Marina Rubini Rordam, der har studeret emnet gennem længere tid.
Hun har bl.a. besøgt udstillingen Cut and Paste, 400 years of Collage, på Scottish National Gallery of Modern Art i Edinburgh i 2019, der betegnes som en epokegørende udstilling.
Der ville jeg godt have været med!

Siden jeg selv opdagede kunstformen hos den amerikanskfødte multikunstner Viktor IV, der boede på sit kompleks af kanalbåde i Amsterdam, og som hver dag skabte logbogsblade og værker af drivtømmer, har collagens mangfoldige muligheder fascineret mig med sit både delikate og rustikke udtryk. Og der er i dag en stribe af navne på min hitliste.

Herhjemme har arkitekten, den tidligere rektor for arkitektskolen i Aarhus, Nils-Ole Lund grebet mig med sine postmodernistiske universer. Jeg var heldig, at han sagde ja til at udstille i DSBs Kunstforening på Kalvebod Brygge, mens jeg slog mine folder der.

Ligeledes fascinerer kunstneren Claes Otto Jennow med Futuristic Depository, der er godt fortalt hos IDOART.
Jeg har oplevet nogle af hans værker hos Galleri Sandberg i Odense.

Linda Sandbjerg, Impact II

Og senest er jeg stødt på kunstneren Linda Sandbjerg, der bygger collager i 3D som væghængte skulpturer. Hun bruger elementer og ornamentik fra arkitektur og kombinerer med pressefotos, ofte i sort/hvid med et elegant og dramatisk udtryk til følge.

Blandt kunstnere, der faktisk maler efter collage, er Jonna Pedersen – en af dem, jeg følger på nærmeste hold. Hun bliver sammenlignet med den amerikanske kunstner Stuart Davis (1892-1964), der arbejdede med collage i 1940’ og ’50erne, og var stærkt inspireret af europæiske modernister som Picasso og Fernand Léger. 
Stykkevis erkender vi, hvor vi kommer fra, og hvad det kan give af sig.

Læs mere her:
Portræt af Marina Rubini Rordam – Illusionisten
Om Claes Otto Jennow  – Futuristic Depository– Copyright: IDOART v/Elena Stanciu 2019 –

Luna Scales – She will be able…

Det er sansemættede invitationer til at se på og lytte med, der gives hos Platform Arden Asbæk

Fødderne er lange, slanke, plantigrad, sådan lyder titlen på udstillingens første foto. Synet af de to nøgne pigeben på sort baggrund får mig til at tænke på det afsnit i Eventyret om Havfruen, hvor fiskehalen forvandles til ben i en proces så smertefuld, at det rækker ud over éns forestillingsevne. Situationen her er dog reel.

Luna Scales bruger erfaringer med egen krop som grundlag for en kunstnerisk analyse. Hun konfronterer ideal/automat opfattelser med en nøgtern, teknokratisk beskrivelse af hendes funktionsvanskeligheder, så vore øjne og ører må åbne sig for refleksion i mødet med hendes delikate video Physical Status Report 2.0 med den neutralt kølige speak, og udstillingens fotografiske materiale. 

– Det var råt for usødet, da hun som 20-årig fik påtegnet alvorlige journalbeskrivelser, der skulle bruges i et bureaukratisk regi. Næsten ikke til at bære, når man er på vej ind i voksenlivet.
I løbet af studieårene er  kunstnerens medfødte kroniske lidelse efterhånden blevet et vilkår så uomgængeligt, at hun i 2020 tog afgang fra Det Kgl. Kunstakademi på et projekt med hendes nøgne krop som omdrejningspunkt.
Med et Kierkegaardsk udtryk valgte hun sig selv i yderste potens.

Looking at me, looking at you, foto David Stjernholm

På udstillingen Looking at me, looking at you hos Platform Arden Asbæk får vi tre stemmers udsagn, hvor kroppen spiller vidt forskellige roller. Sammen med Luna Scales værker vises større og mindre antropomorfe skulpturer af Josefine Winding, og konceptuelt malede Mandskaber af Caroline H. Thon.

Venter på moderen
Mange vil genkende Josefine Windings værker fra præsentationer på Kunstsalonens forskellige udstillinger, fysiske såvel som online. Her er hun så hos Arden Asbæk, efter deltagelse på bl.a. gruppeudstillingen Material Matters på Den Frie og en skoling hos Kunstskolen Spektrum.

Man bliver berørt i mødet med Josefine Windings værker.
Uvægerligt afsøger blikket skulpturernes proportioner og former, mellemrum og dele for at gennemskue, om her eventuelt er tale om menneskelig fremtræden. Vores forestillingsevne og dybtliggende erfaringer sættes i spil. Og, hvor toppen af en figur bøjer sig blidt frem over resten, der synes det som om et moderligt favntag er inden for rækkevidde.
Figurerne er abstrakte, men de vækker en dyb længsel efter tilstedeværelse.

Josefine Winding – Caroline H. Thon

Josefine Winding skaber sine skulpturer i materialer som beton, gips og polystyren, og de udstråler tyngde. Det er nærliggende at søge efter referencer blandt CoBrA og andre modernistiske strømninger, men værkerne fortjener at stå for blikkets prøve i egen ret.

Mandens krop som æstetisk studiefelt
Beskueren får, som hos de to ovennævnte udstillere, endnu en gådefuld præsentation, et udsnit, en position, der skal undersøges og dechifreres med malerierne af Caroline H. Thon på udstillingen Looking at me, looking at you.

Caroline H. Thon maler landskabelige udsigter til en fredfyldt, hvilende mandekrop – som, lidt Pippi’sk, påkalder betegnelsen Mandskaber.

Billederne er malet i en tilnærmelsesvist monokrom skala på løst vævet hørlærred, som ser man ud over noget, der minder om et ørkenlandskab med mørke huler og solbeskinnede åse. Billedtitlerne – eksempelvis Forearm Bank – fortæller om kroppen, observeret som et landskab med dale, sletter, engdrag, bakker, klitter og busklandskaber.

Caroline H. Thon, der udover sit kunstneriske virke har en baggrund indenfor biologi og kuratering, fandt til sin store fornøjelse et blankt felt i kunsthistorien, mandekroppen, som da havde fanget hendes blik. Malerier af den mandlige krop var der få af, med mindre der var tale om religiøse fremstillinger af Jesus, helte- eller modelstudier, eller skildringer fra et homoerotisk miljø.

CHT – Forearm Bank

Et egentligt fokus på mandekroppen var et åbent felt, og det greb hun nysgerrigt, med et ønske om at fremstille skønheden i det.

Som en af udstillingens gæster præcist formulerede det, så formår værkerne:
– At gøre det ukendte fortroligt og at gøre det fortrolige ukendt, så der bliver åbnet for fortolkning og refleksion.
Værkerne på udstillingen ligger i fin forlængelse af kunstnerens tidligere skildringer af manden, som vi har set på KE 19 og i hendes internationale murmalerier. 

Kroppen mætter
At tage indtrykkene rigtigt ind for alle de tre deltagende kunstnere er faktisk en overdådig mundfuld. Selv i de dejligt lyse rum mod gården, der danner ramme om det eksperimenterende PLATFORM projekt på 1. sal hos Arden Asbæk i tilknytning til Martin Asbæk Gallery i København.

Men, ingen af de tre stemmer vil jeg alligevel være foruden.
Prøv selv!

Luna Scales – Fødderne er lange, slanke, plantigrad 

PLATFORM Arden Asbæk
Via Bredgade 23, Copenhagen
Frem til 30. april

Af Inge Schjødt, komkunst.dk
Publiceret: Kunstavisen.dk – april 2021

Josefine Winding – Untitled no 6

Caroline H Thon – Manscapes

Podcast – Samtale med Inge Schjødt, foto Morten Albek

I dag er det tid til ‘SÅ ER DET MANDAG’ – og ny podcast hos Ann-Lisbeth Albek Sanvigs Online Kunstskole

Ann-Lisbeth Albek Sanvig introducerer dagens gæst: 
– Hun har tabt sit hjerte til kunsten og er kunstnernes ven… Mød ildsjælen, kunstskribent, kunstsamler, konsulent og meget mere INGE SCHJØDT i vores nye podcast “SÅDAN STARTEDE DET”.
– Og du kan lytte med helt gratis

– Jeg mødte Inge for første gang i et galleri i Bredgade.
Vi blev præsenteret for hinanden, og inden jeg så mig om, var Inge i gang med at skrive en artikel om mig til Kunstavisen. Og det er sådan Inge er: Engageret og energisk – bliver hun tændt på noget, så kører hun på.

I podcasten kan du høre Inge fortælle om sit spændende og engagerende liv med kunsten og kunstnerne. Lige fra barnsben mødte hun kunsten og kunstnere i præstegården.

Külli Suitso og Jonna Pedersen – Table for Two. foto: Inge Schjødt

Senere introducerede hun begrebet “Kunst på lokummerne/Liv på lokummerne” på sin arbejdsplads.

Hør mere om det, og hvordan Inge i dag formidler og hjælper kunstnere med at få realiseret deres projekter.

Podcast: Sådan startede det – Inge Schjødt fortæller

Når du allerede er inde på hjemmesiden, så er der flere spændende podcasts, som du kan lytte til – helt gratis – Se mere fra kunstskolen her

Rigtig god fornøjelse!

Kærlig hilsen
Ann-Lisbeth 

Her finder du mere om Inge Schjødt:
komkunst.dk

En forsidehistorie – motiv af Carsten Krogstrup

https://www.facebook.com/ischjoedt

https://www.facebook.com/komkunst.dk

https://www.facebook.com/komwork.dk

Her kan du finde mere om Kunstskolen: 
#annlisbethalbeksanvig #onlinekursus #kreativ #kreativitet #inspiration #onlinekunstskole #onlinekurser #annlisbethsanvigsonlinekunstskole #tutorial #undervisning #ingeschjødt #podcast

Kunstnermøde – Gonzalo og Tonie træffer hinanden hos Hegnhøj & Blyme, 2014

Evi Apostolou – InsideOut 2020

En nødvendighed dybt indefra er kunstens skabelse hos Evi Apostolou

Ved første øjekast ser jeg, at her for alvor er engagement på spil, og at her er et helt personligt udtryk at dykke ned i, da jeg træffer billedkunstner Evi Apostolou i forbindelse med en kommunikationsopgave. Vi har dertil nogle fælles interesser i religionshistorie og i kirkekunst. Flere fortjener at kende hende, forstår jeg snart.

Evi Apostolou er vokset op i Patras, Grækenlands tredjestørste by. Ganske tidligt blev hun optaget af at tegne. Hun er uddannet som billedkunstner fra et velestimeret Institut på Kunstakademiet, Athens School of Fine Arts i 2009, og har desuden en bachelorgrad i religion. Hun arbejder fortrinsvis i maleri, i tegning, i digitale værker samt performance.

Kunstneren har siden 2014 boet og arbejdet i Danmark, som på visse måder minder hende om Grækenland, fordi begge lande er omgivet af vand og har vide horisonter.

Fra mørket mod lyset
Temaer fra filosofi og mytologi påvirker hende og inspirerer hende. Sammen med det metafysiske aspekt og et stort slægtskab med surrealismen tæller kunstneren så forskellige forbilleder som Hilma af Klint og Egon Schiele blandt sine inspirationskilder.

E.A. – I Love Myself #1

Implicit i hendes udtryk, fortæller hun, er der metodiske træk fra hagiografia, en kunstnerisk udtryksform, der er karakteristisk i den græsk-ortodokse kirke, hvor alle former tydeligt afgrænses og beherskes af konturer, og hvor lysende, spirituel energi kraftfuldt spænder rummet ud.
– Kunsten er i sin kerne spirituel, mener Evi Apostolou.

Urmørkets chaos glider over i en strømmende livsorden, hvor lyset hentes frem, lag for lag. I flere af især de nyere motiver ser vi en kamp mod det onde, traumet, hvor fabeldyr symboliserer overnaturlig kraft, potentiale, styrke, visdom og uforudsigelighed, der peger både indad og udad.
– Jeg føler, at alt er forbundet, og alt er som en organisme eller en del af en større organisme.

Det er inde fra det perspektiv, hun intuitivt uddrager sin billedverden, med blik for dobbeltheden i alting.

Biomorfologi
Med kroppen som udgangspunkt udforsker Evi Apostolou i flere serier det biomorfe udtryk, det organiske. Forbindelsen mellem krop og ånd, mellem individ og samfund er hentet ind under penslernes mikroskop.

Evi Apostolou – Evil Fly, digital

I sit afgangsværk Boundaries at the Age of Surreal 2009 formåede hun at destillere et særegent formsprog frem med udgangspunkt i bioteknologi, etik, og et tjek af verdens sande tilstand, hvor de konstruktive og destruktive kræfter i videnskabernes krydsfelt kom til udtryk.

I serien My Precious Ones, malet hagiografisk i olie på papir, er hun optaget af surrealistiske abstraktioner, af farven, af symbolikken, og det biomorfe formsprog med antydninger af øjne, åbninger, lemmer og organer.
– Ved at tilbyde et minimum af information, så beskueren lige akkurat kan tolke sin egen forståelse, gør disse værker beskueren til en aktiv deltager, fortæller Evi Apostolou.

Kvinde, mor, kunstner
Kunstnerens erfaringer på sind og krop med familiedannelse, graviditet, fødsel og kroppens fuldstændigt autonome processer i den forbindelse, ledte til dybtgående refleksioner, som fandt vej til lærred og papir i 2018 og 2019.
En strøm af stærke billeder, inspireret af drøm og underbevidsthed, blev til serierne Deception og Eaten by the Birds.

Evi Apostolou – BigBirth

Her perspektiverer kunstneren paradigmeskiftet fra, som individ at kunne gå efter sine egne drømme, til at give sig hen, og derpå i den biologiske transformation dele sig selv med et nyt væsen, mens det bliver til, endda indeni én selv.
Det er en omkalfatrende oplevelse.

Men hos Apostolou kom både kunsten og mytologien til hjælp, hvorved oplevelsen, tolket visuelt, blev afsæt for en fornyende proces, som hos Fugl Phønix, hvor noget nyt opstår i brændpunktet.

– Jeg malede disse billeder uden at se på noget eller hente noget input udefra.
– Det var som om en stærk og mystisk kraft holdt min hånd og gav form til visioner fra min underbevidsthed, fortæller hun.
– I billederne jager fuglene mig, de vil æde mig, ja, gå i ét med mig.
– Fuglene har mytologisk både negative og positive konnotationer, forklarer kunstneren.
– Fuglene er for mig grænseløs frihed, åbenheden overfor livet og mulighederne, og modsat symboliserer de også nogle gange det arrogante overmod, man kan gribes af, når man følger sine egne veje. De uendelige muligheder kan også æde én op.

– Kunsthistorisk har klassiske surrealister som Max Ernst og Leonora Carrington også haft fuglene med som stærke symboler, fortæller Evi Apostolou, og bekræfter slægtskabet til sine forgængere.

Om at være tro mod sine talenter
– Den store opgave er at kunne skelne, så der bliver rum for at bruge talentet og dele det bedste i livet.
Uanset hvor smal og snoet strømmen bliver, så fortsætter Evi Apostolou det kunstneriske engagement.
Et kildevæld kan ikke løbe baglæns.

Kunstneren har udstillet flittigt i sit græske hjemland samt internationalt i London/England, Chelsea/New York, Barcelona/Spanien, Frankrig, Italien, USA, Canada med mere.
I Danmark har en række virksomheder, kulturhuse og kunstforeninger haft glæde af hendes kunst.

Jeg ser frem til flere udstillinger med offentlig adgang.

Se mere på eviapostolou.com 

Af Inge Schjødt, komkunst.dk
Publiceret: Kunstavisen 3/2021

Illustrationer
Evi Apostolou – InsideOut, 2020, akryl på lærred 100×80 cm
Evi Apostolou – I LOVE MYSELF #1, 2017, olie på papir, 76×56 cm
Evi Apostolou – Evil Fly, Boundaries at the Age of Surreal, 2009 – digital 
Evi Apostolou – BigBirth, Body Stories and the Charm of the Inside, 2008 – 65×50 cm
 

In art we trust – Inge Schjødt

Kunstavisen 3 / 2021 – Lederartikel
– Det er så godt at komme ud og se alle FARVERNE, svarer en kunde, da butikkerne slår dørene op på årets første shoppedag. Et udsagn, der understreger elementære oplevelser, vi længes efter. Kunst- og kulturliv spejder efter lave smittetal, tegn på genåbning, og spejder efter klarhed i regeringens prioriteringer.

– Nedslående er det, at der primært tænkes på vilde dyr og løbeshorts, og at beslutningstagerne knapt nok skeler til den livskvalitet, som kunstens felt forsyner os med.
– Nedslående er det, når regering og regnedrenge lægger snittet alene på de kvantitative frem for kvalitative interesser.
– Nedslående er det, at der endnu ikke har været øje for de mange muligheder, der er i kulturens huse. Og på denne lederplads er det billedkunstens huse, der sigtes til.

Kunsthaller og -museer tilbyder mange kvadrat- og kubikmeter fulde af visuelle oplevelser, som har noget for alle aldre – også de computerspillende skolebørn – endda med god afstand, udluftning, og med initiativrige, kreative, og serviceorienterede medarbejdere, der kan formidle i stor stil.

Kunsthaller landet over har holdt vejret, nogle er gået til vinduerne, nogle er gået udendørs som Gl. Holtegaard, og nogen har åbnet virtuelt og på skrift, som på Janus – Vestjyllands Kunstmuseum med udstillingen EFTER BILLEDER, der blev lagt i støbeskeen for nu et par år siden. Konceptet, med en vel gennemtænkt formidling, har reddet maleriudstillingen fra at gå til i stilhed.

Gallerierne er heldigvis åbnet, trods tumultariske vilkår for kalenderplanlægning.
Og de billedende kunstnere selv? Mange har fordybet sig i atelierer og værksteder, og har forsket i deres kunstneriske felt, mens udstillinger er blevet udsat, og event på event er afviklet via webcam fra basen.

Hvordan kommer vi videre?
Kulturministeriets Genstartsteam er barslet med anbefalinger til fordeling af 50 mio. kr., hvoraf langt størsteparten ønskes fordelt via puljer til udvikling af aktiviteter.
Der skal udvikles på sikkerheden, fx i form af Coronapas. Der foreslås et innovationslaboratorium, mere dataindsamling, flere brugerundersøgelser, og kampagneindsatser for at få gæster og brugere tilbage.

Det ER svært at spå, især om fremtiden, og ikke mindst om spredning af virusvarianter og vaccine i scenarier, der hele tiden ændrer sig på nationalt og internationalt niveau. Det er drøjt for alle.

Coronaen er som et prisme, hvor væsentligt og uvæsentligt krystalliseres i det nære, og i samfundet generelt.

Vi må ha’ kunsten igen – Vi må ha’ kulturlivet igen.
Vi vil ha’ Danmark tilbage, du farverige gamle ven.

Af Inge Schjødt, Kunstavisen – 27. marts 2021

Bruno Nordensgaard, foto: Staffan Skov

Ildsjælen Bruno Nordensgaard i det nordvestjyske ønskes dobbelt Tillykke

“Mississippi er et kultur- og kunstcenter for den nysgerrige person og den udfordrende kunst og kultur,” hedder det i præsentationen, når man slår stedet op. Og uden ildsjælen Bruno Nordensgaard, som 22. marts kunne fejre 75 år, var kulturlivet på den nordvestjyske Thyholm et andet.

I februar i år modtog Bruno Nordensgaard på vegne af Mississippi, der holder til i en tidligere Odby Friskole ved Uglev, Kulturfondens Pris 2021 fra Struer Kommune. I indstillingen til prisen er det fremhævet, at kulturcentret har stået bag flere succesfulde udstillinger af høj kvalitet med både professionelle kunstnere og kunstnere, der er på vej – og det kan Kunstavisen kun bekræfte.

I sommeren 2019 fyldte en flok af Kunstskolen Spektrums elever rum og sale, kurateret af Tina Menore. Og modtageren af specialprisen ”PORTRÆT NU! 2019” på Frederiksborg Slot i Hillerød, Astrid Marie Storgaard fra Odense viste nogle af sine karakteristiske værker, malet på pap.

I 2020 kunne man opleve Kunsten at reparere – Reparation som kunst med international patchwork, tillige papirkunstneren Bit Vejle og den censurerede udstilling, som også er på programmet i maj i år med Külli Suitso, billedkunstner og underviser ved Aarhus Kunstakademi, Birthe Reinau, billedkunstner og underviser ved Aarhus Kunstakademi og Vinni Frederiksen, Keramiker og underviser samme sted som censorer.

Af Gonzalo Duport, Toulusse a trés

20. marts har Mississippi slået dørene op for to begivenheder, Forårsudstillingen med argentinskfødte Gonzalo Duport, Lone Ertbølle fra Fyn og keramiker Louise Gaarmann, Djursland, samt udstillingen ”Overflade” med syv kunstnere, der sidste år havde afgangsudstilling på Aarhus Kunstmuseum.

Takket være Bruno Nordensgaard hentes der således udfordrende dansk og international kunst og kultur til Mississippi, der, som bekendt ligger nogle hundrede kilometer vest for Louisiana. 
Læs mere om Mississippi her.

Vi ønsker Tillykke!

Af Inge Schjødt, komkunst.dk
Publiceret på Kunstavisens facebookside, 22. marts 2021

Tjek Mississippi.dk

Jonna Pedersen – idé og kuratering

14 billedkunstnere tager os med et spadestik dybere

Billedkunstnerne Jonna Pedersen og Simon Grimm inviterer os i selskab med 12 malerkolleger på Janus – Vestjyllands Kunstmuseum i Tistrup, hvor de har fyldt tre store, rå og nøgterne rum med malerier. Og kun malerier. Her drages vi ind i netop den genre, og får den vendt og drejet på malernes præmisser.

De medvirkende er Astrid Marie Christiansen, Simon Ganshorn, Simon Grimm, Melou Vanggaard, Kristian Devantier, Nana Bastrup, Matvey Slavin, Mie Olise, Emily Gernild, Jonna Pedersen, Martin Askholm, Anita Viola, Mia-Nelle Drøschler og Annette Olesen.

Kunsten på det personlige plan
Alle udstillingens kunstnere præsenteres udførligt ved hver for sig at svare på seks spørgsmål og ved at uddybe deres egen aktuelle praksis i tekst og billeder, redigeret af forfatter og kunstformidler Helene Johanne Christen-
sen. Grafisk designer Malene Maury har sat præsentationerne smagfuldt op
til plakatformater, der hænger som introduktion til hver kunstners værker,
så vi bliver klædt sjældent godt på.

Det lysner overalt i det grønne – Kristian Devantier

– Det er spørgsmål, man måske har lyst til at stille kunstnerne undervejs, siger museumsleder Anne Grethe Sværke, som i første runde har gjort god brug af introduktionerne på den virtuelle fernisering og på videopræsentationer, siden udstillingen åbnede for coronalukkede døre.

– Nævn tre forbilleder for dit kunstneriske arbejde. Hvordan påvirker dine forbilleder dit arbejde? Bruger du deres billeder i din kunstneriske proces, og i så fald, hvordan? lyder det første spørgsmål.

– Har du altid været inspireret af de samme kunstnere, eller har det ændret sig over tid? lyder det næste.

– Er du vokset op i et hjem med kunst? Har det haft betydning for dit kunstneriske arbejde? vil vi gerne vide.
– Hvornår havde du første gang en betydningsfuld oplevelse med kunst?
Og har den oplevelse betydning for dit kunstneriske virke i dag?
Her kommer vi endnu tættere på.

Leaving it all behind – Simon Grimm – kurator

– Hvor kommer dine billeder fra? lyder det sjette spørgsmål, inden kunstnerne uddyber deres kunstneriske praksis i et artists statement.

Nogle har kunsten med hjemmefra, mens andre slet ikke har den backup. De fleste har tegnet i starten.
En vis fortrøstning for også vor tids unge giver det at læse, at en god del af kunstnerne har fået deres første personlige møde med kunsten i deres gymnasie- højskole- eller HF-tid, hvor inspirerende undervisere åbnede elevernes øjne for den verden. Og derpå er jagten gået ind efter det, som giver fylde.

Form og forbilleder
Jeg vover her at dele de fjorten kunstneres udtryksform ind i tre hovedgrupper, for beskrivelsens skyld. Der er selvsagt overlap og tangenter på tværs, for grupperinger og modeller er altid en reduktion, som ikke kan være helt fyldestgørende.

Astrid Marie Christiansen, ROFL

Astrid Marie Christiansen, Simon Ganshorn, Simon Grimm, Melou Vanggaard, Kristian Devantier, Nana Bastrup, Matvey Slavin og Mie Olise tematiserer aspekter indenfor maleriets form, struktur og materiale med tydelig forankring i kunsthistoriens formelle udvikling.
Det gælder fx lærredernes form, begrænsninger, rumlige udvidelser og overflader, samt kompositioner af kunsthistorisk tilsnit. Gruppen her udøver en grundforskning i maleriets væsen.

Kristian Devantier skaber deciderede parafraser over forgængeres ikoniske motiver, og hos Nana Bastrup, og til dels hos Matvey Slavin ser vi i baggrunden tit en gentolkning af egne motiver.

Netop med hjælp fra den ovennævnte præsentation forstår jeg også det ekspressive i Mie Olises motiver som et udtryk for, at hun bygger videre, og selv skubber til historiens forventninger til kvinders malemåde.

Malerier af Emily Gernild (tv) og Mie Olise (th)

Omverden og nutidsbilleder
Emily Gernild, Jonna Pedersen og Martin Askholm byder indenfor i værker, der tematiserer noget genkendeligt, noget overset fra vores nære omverden, fra generationens kulturhistorie. De holder et spejl af erindringer op for os, og stiller ind på nærværet i nutiden, og manglen på samme.

Med kunstnerne her er vi inde i det mere narrative felt. Emily Gernild maler ekspressivt, intuitivt. Jonna Pedersen maler mere stringent med en tidssvarende palet, og Martin Askholm tager syntetiske farver ind i landskaberne og bibringer dem et twist og et anstrøg af de grafiske rum, han oftest færdes i.

Natten, drømmen og intuitionen
Anita Viola følger os ind i en romersk nattestemning, tydeligvis inspireret af Peter Doig. Lyssætning og farvesammenstilling lader os sanse tusmørkets stilhed, brudt af fjerne stemmer under parkens træer ved Villa Borghese.

Fench af Anita Viola

Mia Nelle Drøschlers malerier udtrykker et ganske andet stemningsleje, hvor et drømmende chaos sætter elementerne i bevægelse.

Udstillingens nestor, Annette Olesen, komponerer nogle syrede visioner med løsrevne, genkendelige elementer, som suger beskueren ind i et sjæleligt og på én gang stærkt og skrøbeligt univers, Rosens Ring.

Sådan kommer vi rundt om 14 måder at male på.

Siden Adam og Eva og dyrene har vi kategoriseret og sat navne på fænomener, og reduceret kompleksiteten for vore øjne.
Jeg har forsøgt med ord.
Kunstnerne gør det – og det modsatte i flere dimensioner.
Og hertil har de to kuratorer foretaget et nuanceret udvalg blandt deres kunstnerkolleger.

På museets hjemmeside kan man se videoindslag og læse de enkelte plancher.

Martin Askholm, Grisetåodde

Men – På det varmeste anbefaler jeg udstillingen i Janus – Vestjyllands Kunstmuseum, når muligheden byder sig.

Det er et sanseligt møde, og et fornemt møde med et udvalg af vor tids malerkunst, og oplysninger om, hvad der har ført de enkelte kunstnere
frem til den præmis, de arbejder ud fra i dag.

Udstillingen flytter til SAK Kunstbygningen i Svendborg
fra 24. april til 30. maj.  

Janus – Vestjyllands Kunstmuseum
Lærkevej 25 – Tistrup
Forlænget til 18. april

Tekst og fotos: Inge Schjødt, komkunst.dk
Klik og se bedre billedkvalitet

Matvey Slavin – Golden Age

Nana Bastrup, Faceboxes

Kunstalonen byder ind med samtidskunst

Det er moderne at indrette sig med klassisk salonophængning, og nye spillere har værkerne – med og uden glas og ramme

Vi holder af hyggen, og der indrettes i stor stil med original kunst, kombineret i tætte salonophængninger, suppleret med værker i skulpturelle formater. Ind imellem føjes et arvestykke, eller et ældre værk i en smuk ramme til samlingen, og forskellige kunstneriske epoker mødes på nyrenoverede vægge.

Til at præsentere den originale kunst er der kommet nye spillere på banen, som formår at servere såvel ny som ældre kunst i appetitlige formater.
To af spillerne er Kunstsalonen og Københavns Kunsthandel, der begge når ud til publikum via intens brug af sociale medier, som fx Instagram. Her fås samtidig et yngre kunstpublikum i tale.

Intime møder med samtidskunsten
De går som varmt brød, kunstværkerne, når Kunstsalonen slår dørene eller prislisten op, online. Siden 2017 har Anne Aarsland og Mette Helena Rasmussen formidlet kunstsalg ved PopUp-udstillinger i inspirerende private omgivelser, og via onlinesalg.

Kunstsalonen åbner fløjdørene for en trend

Netop præsentationen i private hjem giver en oplevelse af tryghed og fortrolighed i valgsituationen.

PræCorona var salonerne store tilløbsstykker med kø i trappegangene på Amagersalonen, Fuglebakkesalonen, Hellerupsalonen m.v., og nu er det opløftende at se, at der fortsat er tryk på, når en ny salon går i luften som onlineudgave. Her lægger de to initiativtagere egne vægge til ophængningerne.

Gennemgående er der en intrikat sanselighed, som appellerer og fremmer lysten til at eksperimentere på hjemmefronten.

Med sikker hånd udvælges og komponeres værker af ret forskelligt udtryk. Her er flere tredimensionelle, væghængte værker samt skulpturer til reolen, gulvet eller sofabordet, afstemte i farver og formater, så det går an at sætte rigtig mange værker ind side om side.  

Initiativtagerne og kuratorerne bag Kunstsalonen er Mette Helena Rasmussen, Master in Fine Arts fra Det kongelige Danske Kunstakademi, der også arbejder som stylist og designdommer på tv. Anne Aarsland er uddannet som billedkunstner, og er cand. mag i kunsthistorie og visuel kultur fra Københavns Universitet.

Solid tingfinder med smag for ældre kunst
En ret ny medspiller med sans for ældre kunst er Københavns Kunsthandel, der er startet i 2020 af kunsthandler Johs Schmidt.

Charlotte Oxholm, Portræt af en herre i lyst jakkesæt, 1921

– Efter 20 år i kunstbranchen, heraf 12 år som senior vurderingsmand i auktionsbranchen, ønskede jeg at være fuldt ansvarlig for hvilke objekter jeg sælger. Med Københavns Kunsthandel har jeg endelig mulighed for kun at omgive mig med den kunst jeg elsker, uafhængigt af hvem der har skabt det og hvornår,’
– udtaler Johs Schmidt, som lægger vægt på godt håndværk, originalitet og relevans.

Også han gør flittigt brug af instagram, og har fået såvel museer som de unge (førstegangs-)købere blandt sine kunder.

Det er glædeligt at se, at kvaliteten vælges til, og at den originale kunst kommer på nye søm og hylder i flere hjem og samlinger. Med indsatsen fra Kunstsalonen og Københavns Kunsthandel reduceres mængden af plakatfulde eller halvdøde skifterammer. Og forhåbentlig tages en del af galleriskrækken ud af nye generationer, så døre åbnes for yngre kunstelskere og -samlere.

Kunstsalonen
Se næste location/online
www.kunstalonen.com

Københavns Kunsthandel
Gl. Kongevej 167 B
Frederiksberg
www.koebenhavnskunsthandel.dk

Københavns Kunsthandel 2021 

Af Inge Schjødt, komkunst.dk
Publiceret: Kunstavisen.dk, marts 2021              

Victor Brockdorff, Studie af et flygel, 1937 

GONZALO DUPORT UDSTILLER INTERAKTION PÅ MISSISSIPPI – KUNST OG KULTUR

Gonzalo Duport – Adam & Eva, 2019

Billedkunstneren Gonzalo Duport er en af udstillerne, når Mississippi Kunst og Kultur på Thyholm slår dørene op for forårsudstillingerne.

Menneskene i hans kvarter – Las Ciudades de Un Tal Duport. De rare og de skumle, fodboldspilleren, politimanden, de skønne kvinder. Ind imellem dukker hans hund og bevæbnede skurke op på lærredet, hvor tanker og drømme vrimler frem. Dertil kommer La Chicas – Pigerne. Pigerne i hans kvarter stjæler gerne billedet.

Ansigter, figurernes hår og øjne, vokser næsten af sig selv ud af Gonzalo Duports penne og pensler, og formes i selve arbejdsprocessen med farver og linjer. Han arbejder intenst med at udforske stregens egen logik i små og store formater, og går i INTERAKTION med form, rum og materialer. Senest har han malet udenpå glasset.

– Er hun ikke smuk? spørger Gonzalo Duport, når han løfter blikket.
– Mange spørger, hvem pigerne er i mine billeder, om de er portrætter. Det er de ikke, men det jeg ser, det gemmer jeg i mine tanker, og så kommer de en dag ud på papiret, eller på lærredet, forklarer den 35-årige kunstner.

Gonzalo Duport – Un Chica, 2019

På udstillingen INTERAKTION vises et udpluk af forskellige genrer, kunstneren har beskæftiget sig med.

Undtagen i disse coronatider, så er Gonzalo Duport en fast gæst i Danmark, hvor han kommer, bor og arbejder ca. tre måneder ad gangen med baser i København, Varde og Aarhus.

I hjemlandet Argentina knyttede Gonzalo Duport tidligt forbindelse til Danmark via en dansk-argentinsk folkeskole. Han kom til Danmark, støttet af Rotary, til HF-studier i Varde. Her fandt han sin livsbane i mødet med en kunstlærer på HF i Varde. Siden kom Gonzalo Duport på højskole i Haslev, og fik atelierer til rådighed og et stort netværk.

Undervejs er det blevet til udstillinger eksempelvis
– Holbæk Æglageret – Holbæk Kunstforening i 2019
– Skærbæk Kunstcenter 2019
– Arbejdsophold i Kunsthal VARTE samt galleriudstillinger i Esbjerg, Odense, Slagelse, København og flere kunstforeninger i Aarhus, Kolding, Kgs. Lyngby m.m. 

I 2012 udsmykkede Duport kontorhus for Incuba, Aarhus, og i 2017 udførte han en stor udsmykning på virksomheden DIS – Dansk Ingeniør Service A/S ved Skanderborg.

Gonzalo Duport har gennem årene udført en del vægudsmykninger, såvel i Danmark, som under rejser i Indien og Nepal og i hjembyen Tres Arroyos, i det sydøstlige Argentina.

– Inge Schjødt, komkunst.dk, som har udvalgt udstillingen til Mississippi 2021 i samarbejde med kunstneren 

Gonzalo Duport – Intriga, 2019